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* en Niza en 1928, † 1962 en París
Artista francés
Conocido por: Pintura monocromática azul ("International Klein Blue"), pinturas y acciones antropométricas; pionero y exponente principal del Nuevo Realismo
Contexto histórico: Vanguardia de posguerra, Nouveau Realismo, Arte acción, Minimalismo, Pop Art
La audaz obra de Klein, creada en tan sólo siete años, se anticipó a muchas de las tendencias posteriores como los happenings, las performances, el Land Art (arte de la tierra), el Body Art (arte del cuerpo) y algunos elementos del arte conceptual, y continúa estando vigente en la actualidad.
A pesar de haber nacido en una familia de artistas, – su padre era un pintor figurativo y su madre una pintora abstracta de la Escuela de París –, Klein comenzó su carrera como yudoka. Su gran devoción por la filosofía y la práctica de este arte marcial asiático (estudió en el renombrado Instituto Kōdōkan de Tokio durante quince meses) tuvo una influencia decisiva en su concepto del arte. El yudo de Kōdōkan está muy influenciado por la filosofía Zen, y representa la unión de la mente y el cuerpo, una mayor receptividad, la búsqueda de un estado de vacío y la total armonía con la existencia. Además, Klein se interesó desde muy joven por las enseñanzas religiosas cristianas difundidas por los seguidores de la Orden Rosacruz. El profundo interés que tuvo por el ritual, la inmaterialidad y el vacío a lo largo de toda su vida no deriva de una vinculación a dogma religioso concreto alguno, sino que expresa su preocupación por los temas espirituales.
"Su afición a la pintura es tardía y puede considerarse un autodidacta. Dos acontecimientos marcan su juventud, una estancia en Japón en la que se inicia profesionalmente en la práctica del judo en la prestigiosa academia Kodokan y su descubrimiento de las doctrinas de la masonería rosacruz de la mano de un gurú de Niza. Es fundador junto con Pierre Restany del grupo de los Nuevos Realistas. Sus populares monocromos datan de 1946 aunque no se muestran al público parisino hasta 1956. Son expuestos en la galería Colette Alendy tras ser rechazados por el Salon des Realités Nouvelles. Poco después comienza su época azul, dominada por el uso de un azul característico que el artista denomina azul Klein internacional (IKB). Su preferencia por este color y por las superficies muy lisas, de factura casi invisible, viene determinada por el deseo de realizar un arte de cualidades abstractas y metafísicas, capaz de invadir con su presencia el espacio del espectador. Con el tiempo incorpora a sus monocromos otros elementos como esponjas, figuras tridimensionales etc. y experimenta con técnicas heterodoxas y espectaculares. Buena muestra de esto son sus Pinturas de fuego, realizadas con lanzallamas, sus Cosmogonías, en las que recoge la huella lluvia sobre un papel especialmente preparado, y sus famosas Antropometrías, en las que se vale de la impresión sobre el lienzo de cuerpos desnudos embadurnados de pintura. Entre sus exposiciones más importantes sobresalen L´Epoca blu (Milán, 1957), que tuvo gran influencia sobre Fontana y Manzoni, y la polémica El vacío (París, 1958) en la que los visitantes asistieron a una galería pintada de blanco en la que se servían bebidas color IKB." (1)
Obras expuestas
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Sinfonía monótono-silencio, 1949. PB | A | Título original: Symphonie Monoton Silence En el 1947, Klein compuso su Sinfonía monótono-silencio para orquesta y coro, que consiste en el sonido de un acorde sostenido durante 20 minutos seguido de 20 minutos de silencio. Se la considera un precedente de la música drone de La Monte Young y de la obra 4'33'' de John Cage. "Hacia 1947 y 1948 creé una sinfonía “monótona”, cuyo tema era eso que yo quería que fuese mi vida. Esa sinfonía de cuarenta minutos de duración (aunque eso no tiene importancia, y ya veremos por qué), estaba constituida por un solo y único “sonido” continuo, estirado, privado de su ataque y de su coda, lo que genera una sensación de vértigo, de aspiración de la sensibilidad fuera del tiempo. Esa sinfonía no existe y al mismo tiempo está ahí, salida de la fenomenología del tiempo, porque no nació ni murió nunca, después de existir, sin embargo, en el mundo de nuestras posibilidades de percepción conscientes: es el silencio... presencia audible." (Yves Klein) | |
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Superficies y bloques de sensibilidad pictórica inmaterial, 1957. 1ro | A | Título original: Surfaces et blocs de sensibilité picturale – Intentions picturales Algunos privilegiados, amigos, críticos de arte, fueron invitados a ir al primer piso de la galería Colette Allendy para descubrir allí las “Superficies y bloques de sensibilidad pictórica” presentados en una sala en apariencia vacía. Un artículo en la revista Cimaises (julio-agosto 1957) y un film dan testimonio de la realidad de esta experimentación. El film, mudo pero en color, organiza un paseo con cámara subjetiva por la exposición, desde la entrada de la galería, la visita de la planta baja, hasta la llegada al primer piso. Allí, el artista en persona nos espera. Nos invita por medio de gestos y actitudes a mirar las “Intenciones pictóricas” invisibles colgadas en la pared y a observar con atención los bloques de sensibilidad pictórica. Nada de eso puede ser visto, por cierto, pero ¿no hay nada acaso? Lo real no se limita solo a las realidades visibles. Yves Klein estima que la cualidad esencial de la pintura reside en la “sensibilidad pictórica” que emana del cuadro. Cada uno siente la presencia, sin por otra parte poder decir dónde se sitúa ni cómo nos toca. Pero esta esencia invisible de la pintura es lo que se propone presentar directamente, sin intermediario, sin el apoyo del cuadro. “Entonces fue por el color que poco a poco llegué al conocimiento de lo inmaterial” (Yves Klein) (Documentación histórica) | |
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Intentos hacia la nada en la pintura figurativa en 1955 [monocromo en 49] ¡No vale nada!, 1957. SO | B | Título original: Tentative des Vides dans le tableau figuratif de 1955 [monochrome en 49]. Ça ne vaut rien! | |
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Arquitectura del aire, 1957-1962. 1ro | B | Título original: Architecture de l'air Collaborando con el arquitecto Werner Ruhnau, Yves Klein desarolla (basado en dibujos visionarios, textos teóricos y experimentos físicos) „una arquitectura inmaterial que permita la vida en espacios abiertos. Entornos climáticos abiertos al cielo azul y al espacio sin límites, determinados por elementos naturales: agua, tierra, fuego, aire, incorporando muros de fuego (paneles horadados con propulsores de gas), estanques y fuentes de agua, mobiliario de aire, zonas sin techo“. Imaginaban la ciudad de la mañana mediante un techo de aire flotante. Una vía exprés central, que conduce al aeropuerto, divide la ciudad en una zona residencial y una zona de actividad industrial y mecánica. El techo de aire sirve para “regular la temperatura y, al mismo tiempo, proteger el área privilegiada.” Es transparente y más: casi inmaterial, imperceptible. Los servicios (cocinas, baños, bodegas) serían subterráneos y “el principio de privacidad, aun presente en nuestro mundo, se ha desvanecido en esa ciudad.” "El principio de privacidad, todavía presente en nuestro mundo, se esfumó en esta ciudad, que está bañada en luz y completamente abierta al afuera. Una nueva atmósfera de intimidad humana prevalece. Los habitantes viven desnudos. La estructura patriarcal primitiva de la familia no existe más. La comunidad es perfecta, libre, individualista, impersonal. La actividad principal de los habitantes: el ocio." (Yves Klein) (Documentación histórica) | |
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La Especialización de la Sensibilidad en el Estado de las Materias Primas en la Sensibilidad Pictórica Estabilizada (el Vacío), 1958. 1ro | A | Título original: La spécialisation de la sensibilité à l’état matière première en sensibilité picturale stabilisée Para su exposición en la Galería Iris Clert en abril de 1958, Klein optó por mostrar el ‘Azul inmaterial, en otras palabras: la nada. Preparó con cuidado la exposición que se convirtió desde entonces en una de las más célebres del siglo XX, bajo un título que no permite en absoluto comprender las apuestas, “Exposición del vacío”. El día elegido para el vernissage, el 28 de abril de 1958, acontecimiento artístico y mundano considerable, coincide con el cumpleaños número treinta del artista. Él quitó todo lo que había en el espacio de la galería a excepción de un gran gabinete, pintó cada superficie blanca, y luego organizó un procedimiento de entrada elaborado para la noche de apertura. La ventana de la galería estaba pintada de azul y una cortina azul estaba colgada en el vestíbulo de entrada, acompañada por guardias republicanos y cócteles azules. Gracias a una enorme campaña de publicidad, 3.000 personas se pusieron en cola, esperando que las dejaran entrar en una habitación vacía. Klein escribio una cuenta divertida de diario sobre la noche de apertura. | |
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Zonas de sensibilidad pictórica inmaterial, 1959. 1ro | A | Título original: Zones de sensibilité picturale immatérielle La zona de sensibilidad es un espacio vacío – es decir, aire – que se vendió por el artista Yves Klein a cambio de oro. Todo estaba certificado con recibos de compra. Se constataba lugar, fecha y firma, y un crítico de arte o director de museo oficiaba de testigo. Una vez realizadas las operaciones, el comprador podía optar entre dos posibilidades: o bien entregaba la cantidad de oro convenida y tomaba el recibo – resignando adquirir el auténtico “valor inmaterial” de la obra – , o bien realizaba un elaborado ritual que consistía en la incineración del recibo mientras el artista, como contraparte, tiraba al río la mitad del oro recibido. El artista logró vender ocho de estas piezas entre 1959 y 1962. | |
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Domingo, 1960. 1ro | A | Título original: Dimanche – Le Journal d'un Seul Jour Dimanche era un paródica edición dominical del diario parisino France-Soir, que se vendió en los kioscos de todo París el 27 de noviembre de 1960, y que en la tapa llevaba la infame fotografía de Klein que lo mostraba saltando al espacio. Dimanche (Periódico de un solo día) presentó el “Teatro del vacío” de Klein, una serie de situaciones o escenas amorosas, y muchas veces encantadoramente absurdas, diseñadas para regresarnos al Edén, a “los comienzos extraviados”. Para Yves Klein, el entorno que posibilitaba la obra era factible de ser obra. En el periódico Dimanche [Domingo, 1960], por ejemplo, todos los artículos fueron escritos por él y cada uno era considerado, también, como obra de arte al mismo nivel que un monocromo. Según Klein, era su intención declarar todo el período de 24 horas como un escenario teatral internacional, "un día de fiesta, un verdadero espectáculo del vacío, en el punto culminante de mis teorías. | |
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La sala vacía, 1961. 1ro | A |
Título original: The Void Room En la retrospectiva que tuvo lugar en 1961 en el Museum Haus Lange de Krefeld Klein volvió a exponer un espacio vacío. El visitante se encontraba otra vez ante un estado de paréntesis de sus percepciones, ante la experiencia de un espacio en el que ni la vista ni el tacto tienen referente material en el que reposar, ni se dan la forma, el color ni las dimensiones condicionando la vida sensible. Se trata de un giro copernicano en la concepción de la obra artistica. No hay propiamente objeto, sino una instancia a la exploración, sino un instancia a la exporación de su ausencia. La obra desaparece para ceder su lugar a una obra muestra táctica de la pura sensibilidad, para la cual trabaja el artista como maestro de ceremonias. | |
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Exposición en el salón Comparaisons, 1962. 1ro | A | El 26 de enero, Klein desmonta cuadros de una sala del Musée d’Art moderne de la Ville de París dedicados al XVI Salón Violet con el objetivo de crear una “Zona de sensibilidad inmaterial”. François Dufrene, Jacques Villeglé y Niki de Saint-Phalle ayudan a Klein a descolgar. El mismo día se efectúa la transferencia de una Zona de Sensibildiad Pictórica Inmaterial de Dino Buzzati.
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| Firmando el cielo sobre Niza, 1946 | "Una vez, en 1946, cuando aún era un adolescente, iba a firmar con mi nombre en la otra cara del cielo durante un fantástico viaje «realista- imaginario». Aquel día, tumbado en la playa de Niza, empecé a odiar a los pájaros que volaban de un lado a otro de mi cielo azul, mi cielo sin nubes, porque intentaban hacer agujeros en mi mejor y más bella obra. Había que eliminar a los pájaros." (Yves Klein) | |
| Enlaces Yveskleinarchives.org | Galerie Gmurzynska | Gagosian Gallery | Manifiesto del Hotel Chelsea (pdf en Español) | Información en Español | Más información 1 | 2 | 3 | 4
Citas (1) Mas de Arte
Créditos Todas las reproducciones © 2014, ProLitteris, Zurich | ||
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